Frøy Aagre

Дата рождения: 08 июня 1977 года

Место рождения: Tønsberg, Vestfold, Norway

Норвежская джазовая саксофонистка.

Аагре - одна из ведущих саксофонисток Норвегии, играющая на тенор- и сопрано-саксофоне с индивидуальным звучанием, основанным на вдохновении таких саксофонистов, как Дэйв Либман и Уэйн Шортер. Она изучала саксофон и композицию в Осло, Бирмингеме, Лондоне, Нью-Йорке и Буэнос-Айресе. Аагре была удостоена стипендии норвежского правительства на 2005/2006 год.

Фрёй Аагре начала играть на саксофоне в возрасте двенадцати лет и позже переехала в Англию, чтобы изучать саксофон в Бирмингемской консерватории. Ее увлечение музыкой танго привело к тому, что она в течение семестра по обмену училась в Национальной консерватории Лопеса Бушардо в Буэнос-Айресе. Получив степень бакалавра музыки с отличием в Бирмингемской консерватории, она переехала в Лондон, чтобы получить степень магистра в Мидлсекском университете. Вернувшись в Норвегию, она изучала композицию ХХ века в Норвежской академии музыки в Осло. В 1999 году она получила ежегодную джазовую премию от Норвежской ассоциации джаза (1999). В 2001 году она училась у всемирно известного саксофониста Дэвида Либмана в Нью-Йорке.

Помимо джазовых влияний на музыку Фрёй Аагре оказывает влияние классическая музыка, и одна из ее целей состоит в том, чтобы импровизация и композиция сочетались как единое целое, импровизируя на языке мелодий. Другими словами, ей нравится стирать различия между написанным и импровизированным. Аагре придерживается мелодичного подхода к импровизации и композиции, а ее влияние простирается от Уэйна Шортера и Кенни Уилера до Баха, Мессиана и Астора Пьяццоллы.

Аагре выпустила свой первый альбом Katalyze в 2004 году в составе группы Frøy Aagre Offbeat, включающей Андреаса Ульво, Фредди Аугдала и Роджера Уильямсена, и привлекла внимание всей Европы, а вскоре ее стали приглашать выступать на крупных фестивалях в Европе, Северной Америке и Индии.

Ее группа состоит из лучших молодых музыкантов норвежской джазовой сцены, и они "действительно функционируют как группа, каждый участник которой подыгрывает друг другу и, прежде всего, служит песням" (AllAboutJazz, США).

Затем последовал альбом Countryside (2007). Он получил высокую международную оценку и был назван норвежской газетой Dagsavisen одним из десяти лучших джазовых альбомов 2007 года. Во время посещения Banff Jazz Workshop в Канаде в 2005 году Аагре начала сотрудничество с брисбенской группой Misinterprotato (ныне известной как Trichotomy). Это привело к гастролям с трио, включая выступление на Wangaratta Jazz Festival в 2009 году.

Она подписала контракт на запись с признанным немецким звукозаписывающим лейблом ACT Music + Vision. Ее первый альбом на ACT, Cycle of Silence, вышел в январе/феврале 2010 года.

Помимо руководства своим норвежским квартетом, Фрёй выступала с такими музыкантами, как Майк и Марк Мондезир, Матиас Эйк, Крис Дэвис, Джефф Дэвис, Аннет Агилар, Эйвинд Опсвик, Майкл Бейтс, Пи-Ви Эллис, Томас Стрённен и Бьёрн Кьеллемир.

Она получила множество призов и стипендий. В 2007 году она получила стипендию Норвежского совета по искусству за создание ансамбля, а в 2005 году - стипендию за композицию.

Фрой Аагре выступала перед такими высокопоставленными лицами, как генерал-губернатор Канады, королева Норвегии Соня и все премьер-министры Северных стран. Она стала первой саксофонисткой, выступившей в Стортингсалене (здании норвежского парламента) в Осло в октябре 2006 года.

В ноябре 2008 года Аагре совершила успешный тур по Великобритании, который включал в себя распроданные выступления на Лондонском джазовом фестивале с легендарным трубачом Кенни Уилером.

В октябре 2008 года Фрой выступила в качестве одного из главных артистов на джазовом фестивале Earshot Jazz (Сиэтл, США), наряду с такими музыкантами, как Сесил Тейлор и Карла Блей.

Ее международная репутация растет. Аагре и ее группа стали одними из шести джазовых исполнителей по всему миру, которые были отобраны для выступления на престижной аранжировке «MIDEM Talent Jazz» на международной музыкальной выставке MIDEM в Каннах в январе 2009 года.

Пресса

Признанная критиками норвежская саксофонистка Фрой Аагре известна своими мощными композициями и индивидуальным стилем характерно лиричного скандинавского джаза. Ее отличительная черта - размывание границ между написанным и импровизированным. Темы и фразы Аагре часто напоминают Баха в их манящем лиризме, а их исполнение и подача перекликаются с Уэйном Шортером в его наиболее игривом исполнении.

(Jazzwise, Великобритания)

Источники:

https://froyaagre.com/about.htm
https://en.wikipedia.org/wiki/Fr%C3%B8y_Aagre

Автор публикации: Панченко Юлик

Jabbo Smith

Также известен как: Cladys Smith, Cladys Jabbo Smith

Дата рождения (создания): 24 декабря 1908

Место рождения (создания): Pembroke, Georgia, USA

Дата смерти (распада): 16 января 1991

Место смерти (распада): New York City, New York, USA

Инструменты: Trumpet

Стили: Big Band, Early Jazz, Hot Jazz, Swing

Влияния: Louis Armstrong

Подобные исполнители: Henry "Red" Allen, Johnny Dunn, King Oliver, Charlie Shavers, Wingy Manone, De De Pierce, Ed Allen, Elmer "Coo Coo" Talbert

Американский джазовый трубач.

В свои лучшие годы трубач Кладис Джаббо Смит (Cladys Jabbo Smith) благодаря своей силе и виртуозности был единственным настоящим соперником Луи Армстронга в конце 1920-х годов. Там, где Сачмо был элегантен, Джаббо был ярок и пронзителен, а его атака агрессивна. Он был чрезвычайно рискованным и часто безрассудным игроком, пробуя пробежки и ноты, о которых в то время не мог даже помыслить ни один другой инструменталист. Эта взрывчатость и стремление к риску привели к некоторой непоследовательности, но его успехи настолько сенсационны, что промахи легко прощаются.

В возрасте четырех лет его отец скончался, и они с матерью переехали в Саванну. В шесть лет мать поместила его в сиротский приют Дженкинса, когда материнские обязанности стали слишком тяжелы для нее, чтобы справляться с ними в одиночку. Однако она нашла работу в доме, чтобы оставаться рядом с сыном.

Дом Дженкинса был известен своей исключительной музыкальной программой, и многие его выпускники стали звездами джаза, включая трубача Эллингтона Кэта Андерсона и гитариста Бэйси Фредди Грина. К восьми годам Смит выбрал трубу, начав с тромбона, и учился у Алонзо Миллса. К десяти годам он гастролировал по стране с духовым оркестром приюта.

После неоднократных попыток сбежать из дома Дженкинса, в 1925 году, в возрасте шестнадцати лет, он наконец уехал навсегда, чтобы сделать профессиональную карьеру в музыке. Он пообещал матери, что никогда не будет работать меньше, чем за 100 долларов в неделю, что в то время было очень высокой целью, которая впоследствии помешала его карьере.

Отправившись на север, Смит впервые выступил с оркестром Гарри Марша в Филадельфии, а затем три года играл в гарлемской группе Чарли Джонсона (Charlie Johnson) Paradise Ten, в которой также играл альтист Бенни Картер. Смита можно услышать во впечатляющей форме в его соло на песне Джонсона "You Ain't the One".

В 1927 году Смит упустил то, что могло стать его большим прорывом. Дюк Эллингтон попросил восемнадцатилетнего трубача заменить своего звездного солиста Баббера Майли на сессии записи для Okeh Records 3 ноября. Смит записал с Эллингтоном три композиции: "What Can a Poor Fellow Do?", "Chicago Stomp Down" и "Black and Tan Fantasy", которая была характерна для Майли.

В этом треке Смит демонстрирует ловкость в обращении с мутью, склонность к блюзовым гнутым нотам и раннее использование чередования пальцев. Влияние Армстронга очевидно; Смит чередует наполненные вибрато продолжительные ноты с оперной упругостью ритма.

Хотя Смит не такой запоминающийся и не такой уверенный, как комичные рыки Майли, он, безусловно, продемонстрировал потенциал растущей звезды в своем зрелом, молодом возрасте. Эллингтон был впечатлен настолько, что предложил ему постоянную работу в секции трубачей за 65 долларов в неделю. Однако Смит сдержал обещание, данное матери, и в итоге отказался от возможности, которая могла бы стать шансом всей его жизни и которая, несомненно, сделала бы его еще большей звездой.

Однако его карьера продолжала двигаться вперед. В 1928 году Смит присоединился к оркестру бродвейского шоу "Keep Shufflin". В состав оркестра шоу входили Смит, Фэтс Уоллер на органе, Джеймс П. Джонсон (James P. Johnson) на фортепиано и альтист Гарвин Бушнелл. Они записали четыре стороны для Victor 27 марта 1928 года под названием Louisiana Sugar Babies.

Смит был на вершине своей игры в 1929 году, когда шоу садится на мель в Чикаго и разваливается. Здесь он сделал свои самые продолжительные и виртуозные записи с группой, которую он создал и назвал Rhythm Aces. Группа записала девятнадцать сторон для Brunswick Record Company, включая "Jazz Battle", одну из самых захватывающих записей Смита.

В этом треке он демонстрирует свой исключительный диапазон и мастерство игры на корнете с помощью взрывных пассажей с двойным темпом, а также продвинутого использования хроматики и прёмчиков, таких как чередование пальцев. Ни один другой трубач не сможет создать такой яростный огонь или тон с таким укусом, как у Смита, - жарче этого не бывает. Его незначительный успех в качестве скэт-певца также подтверждается его выступлениями с Rhythm Aces.

Brunswick надеялся, что поклонникам «Горячих пятерок и семерок» Армстронга понравится Смит и его Rhythm Aces. К сожалению, реакция публики была незначительной, и Смит так и не получил того внимания, на которое рассчитывали. Однако одним из значимых поклонников был молодой трубач по имени Рой Элдридж, на которого оказали большое влияние безудержные, смелые техники Смита. Элдридж перенял стиль Смита и стал чемпионом по игре на трубе в эпоху свинга. Учитывая влияние Элдриджа на отца современной джазовой трубы Диззи Гиллеспи, Смит является важнейшим, но часто упускаемым из виду звеном в ряду джазовых трубачей.

В 1930-е годы Смит выступал со многими группами, включая Кэрролла Дикерсона (Carroll Dickerson), Эрла Хайнса (Earl Hines), Эрскина Тейта (Erskine Tate), Чарли Элгара (Charlie Elgar), Тайни Парэма и Клода Хопкинса. Из-за чрезмерного употребления алкоголя и растущей ненадежности он постепенно отошел от выступлений в течение десятилетия. В течение 30-х он играет с Фессом Уилльямсом (Fess Williams), снова с Керроллом Дикерсоном (Carroll Dickerson), руководит своим оркестром, затем с Клодом Хопкинсом (Claude Hopkins) возвращается в Нью-Йорк, также играет с Сиднеем Беше (Sidney Bechet). В 1938 году он привел в студию Decca свой собственный оркестр из восьми человек и записал четыре пластинки. Его игра на альбоме "More Rain, More Rest" гораздо более спокойная, чем на альбомах Rhythm Aces, а его тембр более контролируемый и округлый.

В 1940 году Смит, устав от жизни на широкую ногу, женился и перебрался в относительно спокойные воды Milwaukee, штат Висконсин. Он возглавлял собственный биг бенд и в течение нескольких последующих лет выступает в основном в этом городе. Он также работал и вне музыки - в конце 50-х он устроился на работу в агенство по прокату автомобилей.

В течение следующих трех десятилетий он был практически забыт, пока саксофонист Дэйв Слеттен не разыскал его в 1974 году и не попросил выступить со своей традиционной джазовой группой Wolverines Classic Jass Orchestra. В 1975 году его пригласили в Нью-Йорк и в знаменитом зале Carnegie Hall вручили награду. Это привело к новому открытию талантов Смита, и в 1979 году он был задействован в бродвейском мюзикле "One Mo' Time", играя и исполняя свои собственные новые композиции. Вскоре после этого он вернулся к концертной деятельности, гастролируя по Европе, выступая на джазовых фестивалях и играя в Нью-Йорке в West End Cafe, Bottom Line и Village Vanguard с оркестром Мела Льюиса, играет и поёт с Семми Римингтоном (Sammy Rimington), Орендж Келлином (Orange Kellin) и другими.

В начале 80-х он переживает серию сердечных приступов, но продолжает играть, часто работая в одной упряжке с таким на первый взгляд музыкально непохожим компаньоном, как Дон Черри (Don Cherry). В эти последние годы он всё больше и больше пишет собственный материал, пишет музыку для оркестра Мэла Льюиса (Mel Lewis), часто в содружестве с Китом Ингхемом (Keith Ingham).

В 1983 году были выпущены два альбома, состоящие из мелодий, записанных Смитом на репетициях в 1961 году. В мае 1990 года он перенес инсульт, что лишило его возможности играть. 16 января 1991 года в возрасте 82 лет Джаббо Смит скончался в больнице Сент-Винсент на Манхэттене.

Несмотря на своё замечательное сценическое долголетие, Смит остаётся малоизвестной фигурой в широких джазовых кругах, но, тем не менее, он всегда пользовался огромным уважением у знавших его музыкантов. В молодые годы его часто рассматривали в качестве достойного соперника Луи Армстронгу (Louis Armstrong). И хотя он не обладал творческим гением Армстронга, его записи демонстрируют множество вспышек оставляющего глубокое впечатление таланта.

Источники:

• www.redhotjazz.com/jabbo.html
• en.wikipedia.org/wiki/Jabbo_Smith
• www.jazz.com/encyclopedia/smith-jabbo-cladys
• www.allmusic.com/artist/jabbo-smith-mn0000103408
• riverwalkjazz.stanford.edu/program/ace-rhythm-story-jabbo-smithtrumpeter-composer
  

Автор публикации: Панченко Юлик

Muhal Richard Abrams

Audio

Дата рождения: 19 Сентябрь 1930

Место рождения: Chicago, Illinois, USA

Инструменты: Piano, Clarinet, Cello, Composer

Стиль: Free Jazz, Progressive Jazz, Avant-Garde Jazz, Modern Creative, Piano Jazz, Chamber Music, Post-Bop

Влияния: Bud Powell, Duke Ellington, Miles Davis

Подобные исполнители: Cecil Taylor, Roscoe Mitchell, Sun Ra, Anthony Braxton, Don Pullen, Julius Hemphill, Reggie Workman

Американский фриджазовый пианист, кларнетист, виолончелист, преподаватель, администратор, композитор и аранжировщик. В своем плодовитом, глубоко современном и личном творчестве сочетает влияние классической, джазовой и экспериментальной музыки. Соучредитель и президент Нью-Йоркского отделения Ассоциации содействия творческим музыкантам, он посвятил свою жизнь и карьеру развитию новой музыки в джазовой идиоме.

Стиль Абрамса как пианиста включает свободный джаз, бибоп, современную классическую музыку и страйд-пиано. Техника Мухала включает в себя широкий спектр свободных размышлений, вдохновленных блюзом, прогрессивную атональность и безудержную фразировку. В результате получается звук, который в равной степени отражает как прошлое джаза, так и его будущее.

Начальное образование Абрамс получал в чикагской DuSable High School, где он уделял больше внимания спортивной программе школы, чем музыкальной. Желая узнать больше о музыке, Мухал в 1946 на короткое время начал посещать музыкальные классы при Roosevelt University, но "я мало чего почерпнул там, потому что там было совсем не то, что я слышал на улицах".

И Мухал решил изучать музыку самостоятельно; "Я всегда обладал естественными способностями к обучению и анализу вещей. Я использовал эти способности, даже не зная в точности, что это было (это было просто чувство, ощущение) и я начал читать книги". Книги Джозефа Шиллингера (Joseph Schillinger) оказали большое влияние на развитие Абрамса.

По его словам: "С этого момента я приобрёл небольшое пианино и начал самостоятельно изучать, как играть на инструменте и читать ноты – или, прежде всего, в какой тональности была та или иная музыка. На это ушло много времени и пролилось немало пота. Но я всё подвергал анализу и в конце концов начал играть с музыкантами на сцене. Я слушал Арта Тэйтума (Art Tatum), Чарли Паркера (Charlie Parker), Телониуса Монка (Thelonious Monk), Бада Пауэлла (Bud Powell) и многих других, а по композиции сконцентрировался на музыке Дюка Эллингтона (Duke Ellington) и Флетчера Хендерсона (Fletcher Henderson). Вскоре я добился некоторых результатов и начал более расширенно изучать вещи, которые имеют место в классических композициях и начал практиковать классические произведения на фортепиано".

В этот период Абрамс также овладел основами игры на нескольких других инструментах, включая кларнет и виолончель. Он оттачивал навыки композиции и аранжировки, наблюдая и слушая других исполнителей, а также анализируя их работы.

В семнадцать лет Абрамс поступил в Чикагский музыкальный колледж, в котором проучился четыре года. В 1948 году состоялся его дебют в профессиональном исполнительстве. В 1950 он начал писать аранжировки для оркестра Кинга Флеминга (King Fleming Band). После окончания Чикагского музыкального колледжа он начал посещать Государственный университет Говернорса, где прошёл курсы электронной музыки.

Свои первые гиги Абрамс проводил, исполняя блюзы, р-н-б и хард боп в Чикаго. В качестве сайдмена он старался работать со всеми: от Декстера Гордона (Dexter Gordon) и Макса Роуча (Max Roach) до Рут Браун (Ruth Brown) и Вуди Шоу (Woody Shaw). В 1957 году с тенор саксофонистом Эдди Харрисом (Eddie Harris) он играл в составе группы барабанщика Уолтера Перкинса Modern Jazz Two + 3, иначе известной как MJT + 3. В следующем году он дебютировал с группой в записи альбома Daddy-O Presents MJT + 3. В альбом вошли несколько оригинальных композиций Абрамса, в том числе "End of the Line" и "No Lands Man".

В 1961 году Абрамс и тенор-саксофонист Эдди Харрис объединились с трубачом Джонни Хайнсом, чтобы создать ансамбль, в котором они могли бы работать над своими идеями и композициями. Позднее Харрис говорил, что эти семинары посещали десятки музыкантов-энтузиастов разных возрастов и уровней таланта, однако через несколько месяцев ансамбль распался.

Взяв на вооружение идею создания группы для работы над своими идеями, Абрамс в начале 1960-х годов сформировал свою первую группу Experimental Band, в которую на короткое время вошел молодой Дон Пуллен. В ансамбле играли лучшие таланты Чикаго, включая Харриса, саксофонистов Роско Митчелла и Дональда Гаррета и басиста Виктора Спролса. В противоположность ранней хард боповой группе здесь он использует фри-джазовую концепцию для постоянно меняющегося состава. Изначально группа создавалась как репетиционный коллектив и просуществовала недолго, но несмотря на это, она заложила семена того, что впоследствии станет известно как Ассоциация содействия творческим музыкантам, иначе называемая AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) и в мае 1965 Абрамс стал её президентом.

AACM официально образовалась в Чикаго 8 мая 1965 года. Группа представляла собой коллектив музыкантов, которые хотели полностью раскрыть звуковой потенциал своей музыки и друг друга. Абрамс был первым президентом группы и одним из ее главных сторонников. Одной из главных идей группы было поощрение молодых музыкантов к знакомству с историей джаза, чтобы они могли лучше экспериментировать в этой идиоме. Их вдохновлял авангардный джаз, который развивался в Нью-Йорке, в частности, альт-саксофонисты Орнетт Коулмен и Эрик Долфи.

Вскоре состав AACM начал расширяться, в него вошли саксофонист Энтони Брэкстон, трубачи Лестер Боуи и Лео Смит, барабанщик Стив Макколл и скрипач Лерой Дженкинс. AACM начал становиться чикагским коллективом, а его участники основали другие группы и побочные проекты, включая Art Ensemble of Chicago и Creative Construction Company.

Предпочитая выступать не в прокуренных небольших ночных клубах, а арендовать театры или лофты, участники ААСМ выступали там перед внимательной и непредубеждённой аудиторией. К концу 1960-х годов Абрамс решил показать миру то, что он создал в AACM. Альбом LEVELS AND DEGREES OF LIGHT (1967) стал первой знаковой записью, сделанной под руководством Абрамса, к которому присоединились саксофонисты Энтони Брекстон (Anthony Braxton), Морис МакИнтайр (Maurice McIntyre), вибрафонист Гордон Эммануэль (Gordon Emmanuel), скрипач Лерой Дженкинс (Leroy Jenkins), басисты Леонард Джонс (Leonard Jones) и Чарльз Кларк (Charles Clark) и вокалистка Пенелопа Тэйлор (Penelope Taylor). В этот период Абрамс также играет с саксофонистами Эдди Харрисом (Eddie Harris), Декстером Гордоном (Dexter Gordon) и другие боп ориентированные музыканты. Альбом примечателен отчасти тем, что это была первая запись Брэкстона, а также тем, что он наметил курс для его композиторского гения на десятилетия вперед. Перед выпуском альбома он добавил перед своим именем имя Muhal.

В следующем году Абрамс принял участие в альбоме Брэкстона 3 Compositions of New Jazz, на котором он играл на фортепиано, виолончели и кларнете. В 1969 году Мухал выпустил альбом Young at Heart/Wise in Time. В следующем десятилетии он продолжил активно записываться, выступив с трубачом Кенни Дорхэмом на его альбоме 1970 года Kenny Dorham Sextet. В 1971 году Абрамс принял участие в записи альбома Эдди Харриса Instant Death для Atlantic Records.

Заглавная песня альбома - отличный пример работы Мухалса в этот период. Песня начинается с того, что Абрамс исполняет фанковую фразу на электропианино, после чего в аранжировку вступает остальной ансамбль. Легкое, воздушное исполнение Мухалса служит для укрепления свободной, но очень плотной аранжировки песни. С помощью басиста Руфуса Рида его общее исполнение усиливается: Рид укрепляет ритмическую основу песни, что высвобождает мелодический потенциал Абрамса.

С начала 70-х регулярно читает лекции о современном джазе в американских университетах. Сотрудничает со многими музыкантами креативных направлений (с 1967) – Энтони Брекстоном (Anthony Braxton), Джозефом Джарменом (Joseph Jarman), Роско Митчеллом (Roscoe Mitchell), Барри Альтшулом (Barry Altschul), Чико Фрименом (Chico Freeman), Джорджем Льюисом (George Lewis), Генри Треджиллом (Henry Threadgill), Ёрлом МакИнтайром (Earl McEntire), Лео Смитом (Leo Smith), ансамблями Creative Conctruction Company (CCC) и Art Ensemble Of Chicago.

В середине 70-х он довольно часто записывался со своими группами (включая превосходный биг-бэнд), но более глубокое признание он получил как вдохновитель AACM. С 1974 Абрамс включал в свой инструментальный арсенал также электрофортепиано и орган, а с 1979 и синтезатор. По воспоминаниям Лероя Дженкинса (Leroy Jenkins) в школе Абрамс был большим хулиганом.

В следующем году Абрамс выпустил альбом Things to Come from Those Now Gone. Этот альбом, как и выпущенный им в 1976 году Sightsong, демонстрирует постоянно развивающиеся композиторские желания Мухала: оба альбома включают в себя бибоп, электронную музыку, оркестровую музыку и даже оперу. Выпущенный на лейбле Black Saint, альбом Sightsong был создан совместно с басистом Малачи Фейворсом из чикагского Art Ensemble. В том же 1976 году с Энтони Брекстоном (Anthony Braxton) он записал альбом DUETS, вышедший на лейбле Arista Records.

В 1975 году Абрамс переехал в Нью-Йорк, где начал выступать и записываться в самых разных форматах - как солист или в дуэтах с Льюисом, Брэкстоном, Лероем Дженкинсом и пианисткой Аминой Клодин Майерс. Мухал также руководил небольшими группами и биг-бэндом, в состав которого входили саксофонист Генри Треджилл, барабанщик Эндрю Сирилл и другие. Приехав в Нью-Йорк, Абрамс стал одним из главных участников городской сцены Loft Jazz, где проходили джазовые выступления на площадках, которые когда-то были официальными промышленными помещениями в районе Сохо. Мухал продолжил экспериментировать с различными стилями, выпустив в 1978 году альбом 1-OQA+19. В том же году он выступил на джазовом фестивале в Монтрё, что расширило его присутствие в европейском джазовом сообществе. В 1983 он создал нью-йоркское отделение ААСМ.

В 70-х Абармс писал музыку для симфонических оркестров, струнных квартетов, сольного пианино, голоса и биг бендов, в дополнение к серии записей с большими составами, в составе с арфой или аккордеоном. Он стал чрезвычайно влиятельным артистом, делал важные записи как лидер, написал такие классические работы как "String Quartet No. 2", которая была исполнена Kronos Quartet 22 ноября 1985 в Carnegie Recital Hall в Нью-Йорке. Он много записывался и под собственным именем (часто для лейбла Black Saint), и как сайдмен. В частности, интересны его работы с Марионом Брауном (Marion Brown) и Чико Фрименом (Chico Freeman).

К началу 1980-х годов Абрамс начал экспериментировать с различными вокальными и синтезаторными эффектами, ранним примером чего стал альбом 1980 года Spihumonesty. В том же году он записал свой проект Mama and Daddy, амбициозное начинание, в котором инструментарий, включая струнные, духовые и перкуссию, сочетался с экспериментальной и камерной музыкой.

Абрамс продолжил свои эксперименты с оркестром в альбоме Blues Forever 1981 года и его продолжении Rejoicing with the Light в 1983 году. В это время Мухал начал получать больше заказов на свои работы, в том числе Вариации для соло-саксофона, флейты и камерного оркестра, которые были заказаны городом Чикаго для фестиваля «Новая музыка Америки» в 1982 году.

В 1985 году Мухал сделал выбор в пользу небольших групп, выпустив альбом View from Within. На альбоме View from Within выделяется композиция "Down at Peppers". Этот пропитанный блюзом номер демонстрирует расслабленность Абрамса с его плотными фортепианными роллами и мелодическими приемами, насыщенными блюзовыми гаммами. Использование Мухалсом нисходящих полушагов в куплете делает общую блюзовую атмосферу еще более классической. Песня также демонстрирует его превосходные аккомпанирующие навыки: богатые орнаменты помогают подчеркнуть тембр игры трубача Стэнтона Дэвиса-младшего.

В том же году композиторские усилия Абрамса получили новый толчок к признанию, когда он написал Струнный квартет №2 для знаменитого квартета Kronos. Премьера произведения состоялась 22 ноября 1985 года в нью-йоркском концертном зале Карнеги. 7 февраля 1986 года Мухал выступил с басистом Сесилом Макби в концертном зале Карнеги. Четыре дня спустя пианисты Урсула Оппенс и Фредерик Ржевски в Музее Уитни в Нью-Йорке исполнили его пьесу «Фортепианный дуэт № 1».

В 1987 году Абрамс выпустил альбом Colors in Thirty-Third. Заглавная композиция альбома - прекрасный пример его композиторских усилий 1980-х годов. Аранжированная для скрипки, сопрано-саксофона, фортепиано, баса и ударных, песня демонстрирует, насколько плотно его аранжировка соответствует необычному составу инструментов. Особого внимания заслуживает использование Ричардсом контрапункта в ансамбле, когда каждый голос легко вплетается и вытекает друг из друга.

В конце 1980-х годов Абрамс возглавлял квинтет, в который входили Стэнтон Дэвис и саксофонист Джон Перселл. 9 июля 1988 года пьеса Мухала «Народные сказки 88» была исполнена Бруклинским филармоническим оркестром на базе Форт-Гамильтон в Бруклине, Нью-Йорк. В 1989 году он выступил в нью-йоркском клубе Knitting Factory с Перселлом, Эндрю Сириллом и басистом Фредом Хопкинсом. В следующем году он стал первым лауреатом премии датского джазового центра Jazzpar.

Абрамс начал 1990-е годы с выпуска альбома Blu Blu Blu. Альбом был признан одним из самых сильных альбомов Мухала в качестве лидера биг-бэнда. В следующем году он отправил свой оркестр в турне по Франции. Два года спустя он выступил в дуэте с Роско Митчеллом.

Он записывался и гастролировал по США, Канаде и Европе со своим оркестром, секстетом, квартетом, дуэтом и как сольный пианист. В 1990 Абрамс получил датскую джазовую награду Jazzpar Prize.

В 1994 году Абрамс выступил в Великобритании с октетом и в Нью-Йорке с квинтетом, в который вошли трубач Эдди Аллен, басист Брэдли Джонс и барабанщик Реджи Николсон. В следующем году Мухал выпустил альбом One Live, Two Views, в котором были представлены его продолжающиеся эксперименты с соединением джаза, классической музыки и традиционной африканской музыки.

В 1996 году Абрамс отдал дань уважения Телоноиусу Монку, выпустив альбом Interpretations of Monk, Vol. 1. Проект возник из серии записей, которые он сделал в Колумбийском университете в 1981 году с пианистом Барри Харрисом. В том же году он выпустил альбом Open Air Meeting, состоящий из дуэтов с саксофонистом/кларнетистом Марти Эрлихом.

В 1997 был удостоен Foundation for Contemporary Arts Grants to Artists Award.

Мухал продолжил активно работать в AACM, являясь президентом ее нью-йоркского отделения. Он также входит в состав правления Национальной ассоциации джазовой службы и в свое время был участником дискуссий в Национальном фонде искусств и Совете штата Нью-Йорк по искусству.

В 1999 году мэр Чикаго Ричард М. Дейли объявил 11 апреля 1999 года Днем Мухала Ричарда Абрамса в Чикаго. Абрамс продолжает вести образовательную деятельность за пределами AACM, преподавая композицию и импровизацию в нескольких школах и организациях, включая академические должности в Колумбийском университете, Сиракузском университете и Консерватории Новой Англии. Он также проводил семинары и читал лекции на международном уровне в Банфф-центре в Канаде и Академии Сибелиуса в Хельсинки, Финляндия.

В марте 2001 года Абрамс выпустил альбом Visibility of Thought на лейбле Mutable Music. В альбом вошли четыре современные классические пьесы, а также электронная пьеса и тридцатиминутная фортепианная импровизация. В октябре 2006 года Мухал выпустил альбом Streaming с Джорджем Льюисом и Роско Митчеллом. Использование в альбоме исследовательских электронных звуков в сочетании со свободным джазом делает его ярким примером в дискографии трех музыкантов.

В 2008 году Абрамс выступил с Аминой Клодин Майерс в нью-йоркском клубе The Kitchen. Последним релизом Мухалса стал концертный альбом Vision Towards Essence, выпущенный в 2008 году. Альбом был записан 11 сентября 1998 года на джазовом фестивале в Гуэлфе (Канада) и включает в себя три сольные пьесы, демонстрирующие различные техники и стили Абрамса.

В мае 2009 года Национальный фонд искусств США объявил Абрамса мастером джаза, что является высшей наградой для джазовых музыкантов. Абрамс живет в Нью-Йорке, где продолжает выступать с собственными ансамблями, а также как солист и композитор для оркестра и камерных произведений.

В июне 2010 за достижения в течение всей жизни Абрамс был удостоен Lifetime Achievement Award во время одного из ведущих джазовых фестивалей Нью-Йорка, известного как Vision Festival.

В более зрелом возрасте Абрамс прилагал немало усилий, пытаясь воспитать в темнокожих музыкантах Чикаго (и других городов) чувство собственного достоинства и понимание их ценности как художников; пытался показать им важность связи между артистами и обществом. Один из лидеров чикагской школы авангардного джаза, стилистически многогранный музыкант-новатор, мультиинструменталист. Крупная фигура в области креативной музыки (представляет, в первую очередь, её мейнстрим). Особенно плодотворна его деятельность в сфере грейт-блек- и абстракт-креатив-мьюзик наряду с классическим и новым джазом.

Источники:

• http://www.muhalrichardabrams.com/biography.html
• https://en.wikipedia.org/wiki/Muhal_Richard_Abrams
• https://www.discogs.com/artist/295402-Muhal-Richard-Abrams
• http://www.allmusic.com/artist/muhal-richard-abrams-mn0000509696
• http://jazztimes.com/articles/171606-photos-muhal-richard-abrams-quintet-in-italy

Автор публикации: Панченко Юлик

Rabih Abou-Khalil

Дата рождения: 17 Август 1957

Место рождения: Beirut, Lebanon

Инструменты: Oud, Flute, Composer

Стиль: Ethno Jazz, World Fusion, Avant-Garde Music, International Fusion

Влияния: Abdel Aziz el Mubarak, Hamza el Din, Shakti

Подобные исполнители: L. Subramaniam, Maleem Mahmoud Ghania, Shakti, Stomu Yamashta, Trilok Gurtu, Wild Mango

Исполнитель на уде, флейте, композитор.

Популяризировал уд благодаря серии хорошо воспринятых джазовых альбомов и выступлениям с такими мастерами из мира джаза и музыки world, как басист Глен Мур (Glen Moore), трубач Кенни Уиллер (Kenny Wheeler), the Kronos Quartet, саксофонист Сонни Форчун (Sonny Fortune), басист Стив Своллоу (Steve Swallow) и исполнитель на гармонике Ховард Леви (Howard Levy). В своём творчестве Абу-Халиль смешал традиционную музыку Среднего Востока, западную классическую музыку с импровизационным подходом джаза.

Многонациональный и культурно разнообразный Бейрут 60-х и 70-х был в некотором смысле столицей Ближнего Востока. Именно там происходило активное смешение стилей, созидание новой музыки.

"Мама слушала Фрэнка Синатру (Frank Sinatra), а отец был глубоко увлечён традиционной арабской музыкой. Сам я тогда и не подозревал о различиях."

Отец Абу-Халиля, арабский поэт, почувствовал в сыне природную музыкальность и, в соответствии со своим увлечением, выбрал для него инструмент. Будучи ребёнком, Раби Абу-Халиль с пяти лет начал учиться играть на уде — арабской лютне с коротким грифом. Этот инструмент в арабском мире имеет огромную популярность, сравнимую только с популярностью фортепиано и гитары, вместе взятых, в западной культуре!

Учителем мальчика был Вади Аль-Сафи — известный ливанский певец и мастер исполнения на классической арабской лютне. Несмотря на то, что импровизация в целом в арабской музыке приветствуется, эксперименты со звуком встречаются довольно прохладно. Но Аль-Сафи уже в то время отличался попытками разнообразить исполнение, внести что-то новое в застывшее звучание старых произведений.

Будучи подростком, Раби увлекался рок-музыкой конца 60-х — начала 70-х. Ему импонировали Джими Хендрикс и Дженис Джоплин, Rolling Stones и Джон Майял, а Фрэнка Заппу (Frank Zappa) он до сих пор называет одним из самых любимых музыкантов. Джаз вошёл в жизнь Абу-Халиля несколько позже. Сам он никогда не сомневался в том, когда именно это произошло.

"Как-то я наткнулся на диск Телониуса Монка (Thelonious Monk) CRISS CROSS. Название мне понравилось, да и человек на конверте выглядел интересно, так что я его купил. Эта музыка потрясла меня. Чёрт возьми, что это? Я только и делал, что слушал и слушал…"

Почерпнув в Бейруте всё, что можно, Абу-Халиль отправился в Алеппо и Дамаск и, вероятно, стал бы великолепным лютнистом. Одним из многих на Ближнем Востоке…

В 1975 жестокие столкновения между правыми мусульманскими и христианскими организациями в Бейруте переросли в гражданскую войну. Война в Ливане совпала с пребыванием Абу-Халиля в Сирии. По окончании учёбы он не захотел возвращаться на родину, в которой в то время умение стрелять из автомата Калашникова ценилось гораздо выше умения играть на уде. В 1978 Абу-Халиль переехал в Германию, как оказалось — надолго.

"Мне было всё равно куда ехать… Все страны были одинаково чужими, но в Германии жил мой друг и это определило мой выбор. Однако здесь я сразу почувствовал, что приехал домой."

В Германии с женой и двумя детьми он поселился в Мюнхене. Абу-Халиль не любит говорить о прошлом. Об этом прямо пишут его биографы. Он стал изучать классическую флейту в Мюнхенской Консерватории под руководством профессора Вальтера Тойрера (Walther Theurer). Как флейтист он записал два альбома, включая диск в дуэте с пианистом Майклом Арманном (Michael Armann) в 1981, но этим работам не способствовал ни коммерческий успех, ни успех у критиков.

Глубокое изучение теоретических основ европейской классической музыки дало немало пищи для пытливого ума. Получив необходимые знания, он начал применять их по отношению к традиционной арабской музыке. Исследуя теоретические аспекты арабского гармонического строя, Абу-Халиль всё отчётливее видел возможность создания музыки, которая находилась бы одновременно в двух, таких различных, системах координат.

Как известно, большинство арабских музыкантов при игре на различных инструментах старается следовать арабской вокальной технике и в звучании имитировать человеческий голос. Осознавая неизбежные ограничения этого подхода, Абу-Халиль вознамерился искать совершенно новые пути развития арабской инструментальной музыки. А поскольку он уже вжился в Западное музыкальное мышление, не потеряв при этом самобытности, ему это стало удаваться.

Аналитический подход к европейской классике помог ему новыми глазами взглянуть на арабскую музыку. Позже помог ему соединить традиционную арабскую музыку с джазом, роком и классической музыкой, и стать музыкантом world музыки за годы до того, как это направление было признано как отдельный стиль. Абу-Халиль вернулся к игре на уде, но он не "овосточил" джаз, а слил вместе два музыкальных потока. Вместе с Ануаром Брахемом (Anouar Brahem) смог выдвинуть уд на передний план эклектичного мирового джаза.

Стиль игры Абу-Халиля часто напоминает джазовую гитару. Музыкальные критики пишут, что Халиль является образцовым примером для джазовых гитаристов. Он создал новое звучание и новую технику для своих баллад, которые остаются в узкой восточной традиции, но несут свои волны к западным берегам.

То, что играет Абу-Халиль – современный джаз, но не только. Это густая смесь современной классики, индийской и японской музыкальной традиции. Он последователь Орнетта Колмена (Ornette Coleman) и Дона Черри (Don Cherry). Вместе с тем, на музыку Абу-Халиля оказали влияние Фрэнк Заппа (Frank Zappa) и Бела Барток (Bela Bartok).

В 1986 Абу-Халиль возобновил игру на уде и сформировал группу с альт саксофонистом Чарли Мариано (Charlie Mariano), перкуссионистом Гленом Велезом (Glen Velez) и басистом из уорлд-джаз группы Oregon Гленом Муром (Glen Moore). К группе также присоединились перкуссионист из южной Индии Рамеш Шотам (Ramesh Shotham), исполнитель на маримбе Кристиан Бурчард (Christian Burchard) и пианист Майкл Арманн (Michael Armann). В 1987 группа записывает альбом BETWEEN DUSK AND DAWN, который отметил дебют Абу-Халиля на джазовом лейбле Enja. В 1989 он выпускает диск BUKRA, на котором представлены Мур, Шотам, Форчун и Велез. Двумя годами позже он гастролирует с трубачом Кенни Уиллером (Kenny Wheeler), басистом Стивом Своллоу (Steve Swallow) и саксофонистом Сонни Форчуном (Sonny Fortune). В 90-х он возглавляет группу, в которой играют Ховард Леви (Howard Levy), сирийский исполнитель на бубнах Набил Хайят (Nabil Khaiat), тубист Марк Годард (Mark Godard) и ударник Марк Носиф (Mark Nauseef).

В 1992 Абу-Халиль выпустил две работы – NAFAS на лейбле ECM и BLUE CAMEL на лейбле Enja. Он становится одним из лучше всего продаваемых артистов на этом лейбле. BLUE CAMEL привлекает больше внимания, возможно, благодаря участию Уиллера на трубе и флюгельгорне, Своллоу на басу, Милтона Кардона (Milton Cardona) на конгас, Хайята на бубнах и Шотам на индийских барабанах и перкуссии. В обзоре для интернет издания Bolero Курт Кифнер (Kurt Keefner) написал о заглавной композиции: "Соблазнительные ударные выпады в игре Уилера и Мариано в унисон с мелодией находятся где-то между Дюком Эллингтоном (Duke Ellington) и судом Багдада". В альбом вошла композиция "Beirut", названная в честь родного для Абу-Халиля города. Тема начинается с приглушённого соло на уде и заканчивается какофоническими звуками, которые напоминают события гражданской войны, которые заставили Абу-Халиля покинуть город в 1978. В начале 90-х Абу-Халиль выполнил заказ Southwest German Radio на сочинение двух композиций, исполненных Kronos Quartet и записанных Belanescu Quartet несколькими годами позже.

В 1998 Абу-Халиль выстил свой саундтрек к фильму YARA, который снял режиссёр Йилмаз Арслан (Yilmaz Arslan). В аннотации к диску Гарри Лачнер (Harry Lachner) написал: "Yara легко воспринимается в отрыве от своего источника в континууме образов фильма, также как и Абу-Халиль покинул мир своего собственного музыкального происхождения для того, чтобы переосмыслить его в новой и изменённой форме". В создании саундтрека принял участие квартет из Абу-Халиля, Хайята, скрипача Доминика Пифарели (Dominique Pifarely) и виолончелиста Винсента Куртуа (Vincent Courtois). Отмечая взаимодействие музыки с визуальными элементами фильма Ланчер заявил: "В то же время музыка впитала грамматику фильма до такой степени, что захватывает воображение своим взаимодействием с паузами, ритмом и атмосферными звуками, и это слияние дополнительно усиливает образы, что всегда было характерным качеством работ Абу-Халиля". В обозрении для сайта RootsWorld Роб Сейден (Rob Seiden) так охарактеризовал саундтрек: "В целом настроения отчётливо арабские из-за использования перкуссии и мелодий на уде, в то же время развитие композиций сохраняют западные формы. Временами песни звучат как суфистская музыка из-за ритмов, отбиваемых бубном".

Cреди прогрессивных слушателей, открытых новому, музыка Раби Абу-Халиля нашла горячий отклик. В арабском мире у мэтра уда репутация человека, идущего в авангарде арабской музыки, а в Европе… В 1999 Германская Музыкальная Академия наградила Абу-Халиля пятью призами в разных номинациях! От исполнительских до композиторских. Выступления его группы встречаются в равной степени горячо в Брюсселе и Стамбуле, Монреале и на Тайване, в Париже и Дамаске, в Нью-Йорке и Фессалониках, в Нюрнберге и Ливане. В том же 1999 Раби Абу-Халиль выступал на Baalbeck International Festival, на родине, перед своими соотечественниками. Успех был грандиозный…

В 2001 Абу-Халиль выпустил THE CACTUS OF KNOWLEDGE, на котором снова играли Годард на тубе, Куртуа на виолончели и Хайят на бубнах; кроме того трубачи Эдди Аллен (Eddie Allen) и Дэйв Баллу (Dave Ballou), валторнист Том Варнер (Tom Varner), исполнитель на еуфониуме Дэйв Барджерон (Dave Bargeron), саксофонисты Антонио Харт (Antonio Hart) и Эллери Эскелин (Ellery Eskelin), кларнетист Габриэль Мирабасси (Gabriele Mirabassi) и ударник Жарро Кагвин (Jarrod Cagwin). Клод Лалумьер (Claude Lalumiere) написал для Blue Coupe Magazine, что это "возможно не венец среди творений Абу-Халиля, но превосходный альбом, ещё одно неоспоримое свидетельство широты его музыкальных интересов. .. и как и вся музыка Абу-Халиля,… игнорирует и переступает через все политические, этнические и географические границы и ограничения, празднуя глобальную музыку, которая охватывает различия, соединяя их и позволяя им звучать вместе".

Разнообразие стилей и влияний в альбоме THE CACTUS OF KNOWLEDGE включает фолк среднего Востока, классическую музыку, клезмер, цыганскую музыку, румынскую народную и современную классику. Критики в некоторых композициях отмечают влияние американского джазового композитора и контрабасиста Чарльза Мингуса (Charles Mingus). В заглавном треке "The Lewinsky March" прорисовывается сравнение с Мингусом, музыкой госпел и композициями марширующих оркестров американского лидера Джона Филипа Соуза (John Philip Sousa). В других композициях альбома напрашиваются сравнения с классическо-джазовыми композициями американского композитора Френка Заппы (Frank Zappa).

Источники:

• http://www.rabihaboukhalil.com/
• https://en.wikipedia.org/wiki/Rabih_Abou-Khalil
• http://www.the-scene.ru/artist/rabih-abou-khalil.html
• https://www.discogs.com/artist/504348-Rabih-Abou-Khalil
• http://www.allmusic.com/artist/rabih-abou-khalil-mn0000377759

Автор публикации: Панченко Юлик